Искусство инсталляции

Инсталляция является одним из видов современного искусства, в основе которого лежит создание композиций из различных материалов в пространстве.

В переводе с английского языка слово » installation» имеет несколько значений —  » установка», » размещение», » монтаж». Родоначальниками искусства инсталляции считается Марсель Дюшан и сюрреалисты.

 

Installationen Tidens Hav ( 2011 год)

 

Инсталляции могут изображать различные пространственные объекты и иметь разные формы, в зависимости от используемых элементов.

В процессе создания инсталляции предметы теряют свое практическое назначение и приобретают чисто символическую функцию. При этом мастер комбинирует элементы самым неожиданным образом, поэтому изменяется контекст значения предметов, и человек начинает видеть привычные вещи по — новому.

 

Василий Рябченко «Большой Бемби» ( бочки, линейные лампы, оленьи рога — 1994 год)

 

Размеры пространственных композиций могут иметь варианты от гигантских, которые занимают несколько выставочных павильонов, до самых маленьких, которые можно увидеть одним глазком с помощью микроскопа.

В отличие от росписей на плоской поверхности или отдельных художественных объектов, инсталляция заполняет собой все пространство интерьера.

 

Илья Кабаков » Человек, который улетел в космос из своей комнаты» ( 1986 год)

 

Как правило, инсталляции можно увидеть в экспозиции музеев и на художественных выставках, а вот в оформлении жилых помещений их трудно представить. Тем не менее, миниатюрные композиции могут использоваться в качестве декоративных элементов дизайна интерьера в стиле хай — тек или абстракционизма.

 

Cradle by Ball — Nogues Studio, Santa Monica ( 2010 год)

 

Материалы для создания инсталляций

Мастера инсталляции создают различные композиции по уникальной  методике, индивидуальной для каждой инсталляции.

Некоторые представители этого направления специализируются на инсталляциях, которые создают скульптуры людей и животных, не ваяя их, как традиционные скульпторы, а монтируя их из материалов различного качества и происхождения. Так, сырьем для изготовления пространственных композиций могут быть абсолютно любые предметы, порой даже мусор.

 

Василий Рябченко » Качели для пеньков » ( 1993 год)

 

Среди исходного сырья для создания инсталляций можно назвать следующее:

• Природные материалы
• Бытовые предметы
• Фрагменты технического оборудования
• Механические детали
• Предметы промышленного производства

В основе создания каждой пространственной композиции лежит определенная художественная идея, которую мастер стремится выразить в своем творении и донести до зрителей.

Идеи и тематика инсталляций

Таким образом, инсталляция является одной из новейших популярных форм искусства в наши дни. Пространственная композиция создается из разнообразных элементов, которые создают единое целое.

Инсталляцию можно представить как символическую композицию, созданную в определенных условиях, в конкретном месте и времени. При этом зритель не является наблюдателем произведения искусства со стороны, а как бы находится внутри композиции, и воспринимает ее вокруг себя.

Конечно, большинство инсталляций выглядят необычно и непривычно для глаз простых обывателей. Иногда зрители даже не до конца понимают, что же именно хотел сказать своей композицией, и какую идею донести. Поэтому инсталляции зачастую сопровождаются описанием темы и идеи произведения.

Несмотря на это, инсталляции являются весьма выразительным и красочным видом искусства. При этом каждая композиция является уникальной, и срок ее существования может быть ограничен временными рамками.

На сегодняшний день крупные, масштабные композиции являются украшением многих городов и собирают большое количество зрителей на художественных выставках.

 

Илья Кабаков » Человек, который улетел в космос из своей комнаты ( 1986 год)

 

design-fly.ru

Инсталляция: история возникновения и развитие новых визуальных практик

Эпоха постмодерна подарила миру не только всеобщий отказ от старых академических норм, разочарование в канонических художественных практиках, но и стала полем для образования новых художественных жанров, течений и видов искусства.

Инсталляция как жанр искусства зарождается в 60-х годах прошлого столетия. Именно тогда появляются первые предпосылки к осознанию нового метода выражения художественных практик: появляется концептуальное искусство, которое выходит за рамки галерей и становиться достоянием улиц. Многие исследователи отмечают то, что в творчестве дадаистов, Дюшана и Татлина уже можно вычленить отдельные вариации на тему инсталляции.

Марсель Дюшан «Фонтан» 1917 год

Однако, на становление жанра инсталляции более всего повлияла абстрактная живопись, точнее сказать, мировоззрение которое пропагандировали абстракционисты: отсутствие каких-либо границ и рамок, смежность искусств и переход из одного состояния в другое. Инсталляция начинает взаимодействовать с театром, музыкой, дизайном и многими другими сферами, не ограничиваясь только художественными практиками.

Джексон Поллок и его «шаманская» манера писать картины Джексон Поллок «Осенний ритм №30»

Так в ХХ столетии три главных вида искусства: архитектура, живопись и скульптура – переосмысливаются, становятся смежными и во всех художественных сферах наблюдается симбиоз искусств.

Становление инсталляции как жанра искусства можно разделить на три этапа:

1. 1. Начало ХХ столетия – зарождение и становление;
   2. Середина ХХ века – формирование основных постулатов и принципов художественной инсталляции;
   3. Девяностые годы прошлого столетия – становление современной инсталляции.

1

Аллан Капроу: инсталляция – все пространство города

Первый кто осмыслил инсталляцию как художественную практику.

Одним из первых художников, которые осознанно подходили к созданию инсталляции как художественного объекта, был Аллан Капроу. Сам художник обозначал свои работы как инвайронмент, что переводиться как «окружающая среда». В его творчестве инсталляция выступает как способ взаимодействия с публикой, нередко для создания его произведений привлекалась публика: простые прохожие или специально обученные актеры. Одной из особенностей творчества художника было то, что он воспринимал окружающее его пространство как трехмерный объект творчества.

Аллан Капроу «Ярд» 1961 год

И каждый «участник», точнее, любой человек мог повлиять на произведение искусства, стать его соавтором, просто присутствуя в пространстве. Капроу говорил, что главное в его творчестве – это возможность формирования у зрителя критического мышления.

Этот язык основан на ассоциативном и эмоциональном восприятии. Благодаря различным пластическим, ритмическим, композиционным, цветовым сочетаниям объект или информация, транслируемые конкретным визуальным образом, вызывают определенные эмоциональные переживания или особый отклик; этот язык основан на историческом и социокультурном.

А.Ю Демшина — Искусствовед

2

Нам Джун Пайк: пионер видеоарта

Первый кто начал работать с видео в своей художественной практике.

Нам Джун Пайк первооткрыватель видео-арта. Для его творчества характерно использование различных медиа, симбиоз скульптуры, перформанса, театра, музыки. Использование подобного «инструментария» позволило Нам Джун Пайку создавать визуальный образ, в котором отражались глобальные процессы. Он неоднократно обращался в своем творчестве к вечным вопросам: времени, природы, памяти, политики и многих других вещей, которые требуют комплексного изучения. Нам Джун Пайк совмещал в своих инсталляциях современные технологии и классические визуальные практики.

 

Лейтмотивом его творческих поисков было — созерцание, в знаковой работе художник размещает статую Будды перед включенным/выключенным телевизором. Тем самым ставит вопрос, кто кого созерцает Будда современность или современность Будду?

3

Йозеф Бойс: художник-шаман

Первый кто использовал личный опыт в создании инсталляций.

Йозеф Бойс ключевая фигура для формирования современного искусства. Родился художник в Германии в семье католического священника.  В юности Бойс увлекался точными науками и готовился стать врачом. Но после того, как его призвали в армию — его мировоззрение меняется. Во многом на него повлияла авиакатастрофа, которую он пережил во время службы. Именно трагический личный опыт помогает понять Бойсу его истинное призвание. После катастрофы Бойс начинает занимается художественными практиками, создает первые инсталляции, которые всегда дополняет перформативными аспектами.

Все его инсталляции говорят о возврате к корням и архаике, поиску первичной энергии, которая может существовать только в природе. Художник использовал в своих работах мед, жир и войлок как формы архаичного мира. В его работах органика старого мира противопоставлялась неорганике современного.

Инсталляция «Сибирская симфония, часть 1»

Несмотря на то, что все его работы отчасти это мистификация, его «шаманские действия» всегда говорят на остросоциальные и политические темы. Художник был активистом и выступал против загрязнения планеты, многие его перформансы и инсталляции говорят о воздействии человека на климат.

Инсталляция «Койот: я люблю Америку и Америка любит меня»

В своей последней инсталляции «7000 дубов» Бойс хотел высадить 7 тысяч дубов по всему миру, которые символизировали бы сплоченность человечества перед лицом экологических изменений. К сожалению, этот проект остался незаконченным из-за смерти художника.

Наше мнение:

Современное искусство пестрит огромным количеством всевозможных жанров и течений. Симбиоз искусств порождает новые визуальные практики, которые изучают мир, его переосмысление и дает толчок к развитию новых видов искусства.

Женя Лаптий — Редактор FaqInDecor

01.03.2019

Читайте далее

Подписка на нашу рассылку исцеляет от всех известных науке заболеваний,
открывает чакры и создает постоянный канал связи с космосом.

faqindecor.com

Современные инсталляции | Журнал Ярмарки Мастеров

Добрый день, мастера и «сочувствующие», как выразилась одна моя знакомая, обозначая статус себя, как жены художника

В современном мире художниками создается очень много интересных картин, порой спорных, порой очень оригинальных, порой фантастических по своим находкам. И все больше в современном языке творческих людей проскальзывает слово «инсталляция». Инталляция стала вопиюще модной.

Вообще, инсталляция происходит от английского installation, что обозначает «установка, размещение, монтаж», и представляет собой форму современного искусства, пространственную композицию, созданную из различных элементов и являющую собой художественное целое.

• Инсталляцию можно охарактеризовать как самоценную символическую декорацию, создаваемую в определённое время под определённым названием. Важно, что зритель не созерцает инсталляцию со стороны, как картину, а оказывается внутри неё.
• Некоторые инсталляции приближаются к скульптуре, но отличаются от последней тем, что их не ваяют, а монтируют из разнородных материалов часто промышленного происхождения.

Сегодня я предлагаю вам посмотреть подборку мировых инсталляций. Судить о том, что нужно, что не нужно в современном мировом искусстве, красиво ли это, я не берусь, но знаю, что это как минимум оригинально и креативно, поэтому предлагаю насладиться творческим полетом и некоторой «безуминкой» этих художников и скульпторов, создающих такие произведения.

Новая инсталляция Бэнкси

* Бэнкси (Banksy) представляет свою новую работу — инсталляцию на улицах Нью-Йорка. Это грузовик, из которого торчат головы 60 игрушечных животных — коров, кур, свиней, ягнят.

Подводная лодка в Милане

* Социальная рекламная кампания «Защити свою жизнь» проходит в Милане, в самом сердце старого города. Гигантская субмарина разламывает асфальт, будто бы она села на мель. Работа так и называется — «Подводная лодка в Милане».

Велосипеды навсегда Ai Weiwei

* В Торонто китайский художник и активист Ай Вэйвэй (Ai Weiwei) представил новую версию своей инсталляции «Велосипеды навсегда«. Художественная акция проходит прямо на улице, на инсталляцию потребовалось 3144 велосипедов.

Инсталляция «Подросток подросток»

* «Подросток подросток» — уникальная, гиперреалистичная инсталляция китайских художников Сан Юаня и Пэн Юйя (Sun Yuan and Peng Yu).

Инсталляция представляет собой человеческие фигуры, одеты в маскарадные костюмы и вечерние платья, отдыхающие на кожаных диванов и креслах, но с гигантскими камнями на головах. Скульптуры вызывают чувство недоумения у зрителей.

Гигантский заяц в Санкт-Петербурге

Художник Флорентин Хофман (Florentijn Hofman), известный своей гигантской резиновой уткой, возвращается с новой огромной арт-инсталляцией. Загорающий заяц в настоящее время лежит на Заячьем острове вблизи Петропавловской крепости в Санкт-Петербурге. Он 15 метров в длину, 8 метров в ширину и 2,5 метров в высоту. Скульптура покрыта тонкой деревянной фанерой, которая окрашена в четыре цвета — розовый, оранжевый, зеленый и серый.

Инсталляции Chiharu Shiota

Берлинская художница японского происхождения Чихару Шиота (Chiharu Shiota) создает инсталляции, покрытые паутиной. Шиота делает массивные работы, которые обычно состоят из найденных объектов, таких как обувь или стулья, запутанные в полотнах из шпагата, электрических проводов, или резинки.

Инсталляция «Бабушкин День»

Бабушкин День — совместная инсталляция арт-коллектива Radical Jetset и германско-чилийской художницыКаролины Круз (Carolina Cruz), которая более известна как Lucilux. Очевидно, что художники вдохновлялись сказкой про Красную Шапочку.

Белая комната Parastou Forouhar

Немецко-иранская художница Парасту Форухар (Parastou Forouhar) разрисовала белые стены, пол и потолокфразами на фарси. Она делает инсталляции в этом стиле с 1999 года. Для западных зрителей этот текст — просто орнамент.

Инсталляция Cloudscapes в Токио

Эта инсталляция японской архитектурной фирмы Tetsuo Kondo Architects создана в сотрудничестве с экологической инжиниринговой фирмойTranssolar и позволяет зрителям зайти в гигантский, прозрачный куб и ходить по облакам. Первоначально расположенная в Затонувшем саду Музея современного искусства Токио, инсталляция известна как Cloudscapes.

Пиксельная скульптура Luke Jerram

Майя — пиксельная скульптурная инсталляция в виде маленькой девочки на платформе 1 на Бристольском железнодорожном вокзале. Автор — Люк Джеррам (Luke Jerram), который сделал скульптуру в виде своей дочери.

Инсталляции Johannes Heldn

Художник Йоханнес Хельден (Johannes Heldn) особое внимание уделяет природе. Он делает коллажи из бумаги, а также инсталляции на тему окружающей среды.

Инсталляция на музее в Мумбаи

Мумбайская художника Рина Сэйни Каллат ( Reena Saini Kallat) придумала эту скульптурную инсталляциюна фасаде музея Bhau Daji Lad, старейшего в Мумбаи.

Газетные клубки Youdhi

Swayambhu — постоянно растущая арт-инсталляция, изготовленная из 9 миль вручную свитой веревки из газетной бумаги художником Йодхистхир Марджан (Youdhisthir Maharjan), более известным как Youdhi. Получилось похоже на клубки пряжи. Это ссылки на религиозные практики родины Youdhi.

Профилактический дождь Luzinterruptus

Эти светящиеся синие капли дождя — презервативы, заполненные окрашенной синей жидкостью и освещенные батарейным питанием. Инсталляция называется «Профилактический дождь».

Инсталляция Baptiste Debombourg

Парижский художник Баптист Дебомбург (Baptiste Debombourg) создал интересную инсталляцию — «волну» из разбитых ветровых стекол.

Инсталляция Аэ Вэйвэя S.A.C.R.E.D.

S.A.C.R.E.D. — скульптурная инсталляция из шести частей китайского художника и активиста Ай Вэйвэя (Ai Weiwei), которая представляет собой сцены его 81-дневного заключения в 2011 году. Инсталляцию можно посмотреть на Венецианском биеннале — 2013.

1000 роз для Цвейбрюкена

Расположенный в Цвейбрюкене (Германия) в Розовом саду принцессы Хильдегард Баварской растет более чем 60.000 роз 2000 сортов, и, как результат, Цвейбрюкен известен как «город роз».

В рамках праздника этого цветка, немецкий художник Оттмар Херль (Ottmar Hrl) создал арт-инсталляцию, которая называется «1000 Роз для Цвейбрюкена» (2012). В течение месяца тысяча пластиковых красных роз лежали в совершенной симметрии в центре города.

Прогулка на небо

«Прогулка на небо» — бросающая вызов силе тяжести скульптура из нержавеющей стали и смолы художникаДжонатана Борофски (Jonathan Borofsky). Инсталляция представляет собой 10 скульптур людей в натуральную величину, идущих по трубе, 30 метров высотой, наперекор законам физики.

Инсталляция «Момент и Вечность» в Herms

Последняя инсталляция в серии «Бесконечность эха» японского художника Синдзи Охмэки (Shinji Ohmaki) называется «Момент и Вечность». Она занимает весь третий этаж магазина Herms в Сингапуре, раскрасив комнату в яркий цвет. Цветочные мотивы распустились сверху до низу по стенам и продолжаются на полу, предлагая живую эстетику сингапурского искусства.

Разноцветные голуби Patrick Murphy

Инсталляция Патрика Мерфи (Patrick Murphy) представляет собой ярко раскрашенные скульптуры голубей. Она установлена на балконе Картинной галереи Уокера в Ливерпуле как часть10-недельного фестиваля современного искусства.

Инсталляция «Глубокий Север»

Этот дом, созданный миннесотским художником Крисом Нортом (Chris North), буквально застыл во времени.Глубокий Север — проект-инсталляция, которую художник сфотографировал, а также снял видео, чтобы передать идею заброшенного замерзшего дома.

Инсталляция из карандашей

Эта инсталляция была создана еще в 2009 году камерунской художницей Паскаль Мартин Тэу (Pascale Marthine Tayou), но до сих пор она установлена в одной из японских префектур Niigata, где раз в три года проводится арт-фестиваль. Проект называется «Обратный город» и представляет собой гигантские разноцветные карандаши, подвешенные на специальной установке.

Инсталляция из зонтиков в Португалии

Интернет заполнили фотографии зонтиков в небе. Если вы в скором времени поедете в Агуэду (Португалия), то, возможно, увидите там красочное небо в зонтиках. Португальский фотограф Патрисия Альмейда (Patricia Almeida) посетил этот город, в котором некоторые улицы украшены необычными инсталляциями из разноцветных зонтов. Кажется, что они парят в воздухе.

Инсталляция «Свет» Bruce Munro

Британский художник Брюс Манро (Bruce Munro) создал новую удивительную инсталляцию, придумав необычное освещение для Садов Лонгвуда в Пенсильвании. Выставка просто называется «Свет» и представляет собой множество освещенных скульптурных структур на 23-акровом пространстве.

Инсталляция «Мнение бабочки»

Если вам нравятся бабочки, вы должны и оценить эту работу японского художника Эйджи Ватанабе (Eiji Watanabe). Он освободил тысячи нежных насекомых от полевых полетов в своем проекте «Мнение Бабочки».

Художник вырезал каждую бабочку из книжных иллюстраций и дал им новую жизнь, изящно прикрепив каждую к стенам и потолкам. Рой всех видов видов бабочек заполнил комнату в этой инсталляции.

Инсталляция SURROCODELIA

23-летняя австралийская художница Виктория Гарсия (Victoria Garcia) создала иллюстрированную инсталляцию ‘SURROCODELIA’. Это был чрезвычайно трудоемкий художественный процесс, который затронул покрытие всех четырех стен, пола и потолка.

Облако из 10 000 кристаллов Swarovski

Новая сверкающая инсталляция, которая состоит из 10000 кристаллов Swarovski и проволочной сетки, установлена в Джорджтауне (Вашингтон, округ Колумбия). «Облачная терраса», придуманная пейзажными художниками Энди Као (Andy Cao) и Ксавье Перро (Xavier Perrot), дебютировала в Dumbarton Oaks, институте Гарвардского университета, который занимается дизайном сада и ландшафтной архитектурой.

Конец аналоговой эпохи — «1001 телевизор»

Мы живем в цифровую эпоху. Этот год ознаменовался концом аналогового телевидения в Великобритании, сегодня Лондон официально перешел на цифровое вещание. В честь этого перехода известный художникДэвид Хол (David Hall) создал инсталляцию, демонстрирующую 1001 старый телевизор, которая так и называется.

www.livemaster.ru

Объекты, инсталляции, реди-мейды • Arzamas

От Татлина до Кабакова: почему искусством стали кучи мусора, меховые чашки, гигантские ложки и разноцветные комнаты

Автор Галина Ельшевская

Ситуация с современным искусством начиная с XX века напоми­нает улыбку Чеширского Кота у Льюиса Кэрролла: Кот исчез, улыбка висит в воздухе, и непонятно, есть она или чудится. Непосвященному человеку совершенно непонятно, каковы критерии отбора, позволяющие художествен­ному явлению попасть в ячейку современного искусства. Понятно лишь то, что художествен­ность в привычном значении слова здесь ни при чем.

Один знаменитый художник упаковывает в нейлон и полипропилен мосты и общественные здания. Другой путешествует по миру и отмечает музеи и га­лереи, рисуя на их стенах банан. Третий, раздевшись догола, изображает собаку перед удивленными жителями Стокгольма. Люди покупают за большие деньги банки, на которых написано «Дерьмо художника»: что на самом деле в бан­ках — неизвестно. Все это новые формы искусства, открытые в XX веке. О неко­торых таких формах мы и поговорим в двух следующих лекциях, а для этого не будем ограничиваться русским материалом и сде­лаем несколько шагов на­зад по хронологии. Для начала — про объекты и инсталляции. 

Само слово «объект» многозначное. Объектом, например, может считаться найденная вещь, к которой художник не прикасался (или почти не прикасался), а только назначил ее своим произведением. Первым, как считается, это сделал француз Марсель Дюшан. Его реди-мейды — велосипедное колесо, привинчен­ное к табурету, сушилка для бутылок и, конечно, перевернутый и водру­женный на подиум писсуар, получивший название «Фонтан». Главное здесь — это воля автора, а автор — это не тот, кто что-то сделал руками, скажем написал кар­тину, а тот, кто сказал: вот искусство, потому что я, художник, это утверждаю. Здесь намерение во много раз важнее исполнения. Сушилка и писсуар — го­раздо больше, чем просто сушилка и писсуар: они манифестируют новую роль художника, новый способ представления произведения и абсолютно новый контекст отношений искусства и зрителя. Это изменило всю историю искус­ства XX века и бесконечно раздвинуло его границы.

1 / 3

Марсель Дюшан. Велосипедное колесо. 1951 год© Joseph Bergen / CC BY-NC-ND 2.0

2 / 3

Марсель Дюшан. Сушилка для бутылок. 1914 год© Flickr / neogejo / CC BY-NC-ND 2.0

3 / 3

Марсель Дюшан. Фонтан. 1917 годWikimedia Commons / Philadelphia Museum of Art

Но кроме объекта назначенного существует и объект сделанный, построен­ный. Не артистический жест, а рукотворная вещь. Такие объекты располагают­ся в мерцающем пространстве по соседству либо с традиционными видами искус­ства — живописью и скульптурой, — либо с менее традиционными — с архи­тектурной или машинной конструкцией. Они словно выламываются из этих видов и одновременно сохраняют с ними связь, память об их мате­риалах и спо­собах создания. И вообще память о ремесле. 

В истории русского авангарда наиболее известным создателем таких объек­тов — контррельефов — был Владимир Татлин. Это объемные композиции из деревянных, металлических и даже стеклянных частей, прикрепленных к доске: Татлин особенно ценил «правду материала» и любил эти материалы за их весомость, за то, что они представляют собой «реальную вещь», и, напри­мер, никогда не исправлял естественные повреждения дерева. Кроме Татлина на рубеже 1910−20-х годов подобного рода искусство создавали многие — Давид Бурлюк, Иван Клюн, Иван Пуни, Лев Бруни, Владимир Баранов-Россине и так далее; на Западе первооткрывателем трехмерных картин считается Пабло Пикассо. И все это действительно трехмерные картины — они могут висеть на стене, в них жива связь с живописью (у Татлина отчасти даже с иконой), но они активно захватывают пространство, не становясь при этом скульптурой. Много позже французский художник Жан Дюбюффе придумает для обозначе­ния таких произведений слово «ассамбляж». Это коллаж, в котором исполь­зуются не только плоские элементы, но также и объемные — включая готовые предметы, найденные или купленные. 

1 / 2

Владимир Татлин (в центре) за работой над памятником III Коммунистического интернационала. 1919 годTretyakov Gallery / Bridgeman Images / Fotodom

2 / 2

Владимир Татлин. Угловой контррельеф. 1915 годState Russian Museum / Bridgeman Images / Fotodom

В объектах происходит совмещение элементов и материалов, и оно может быть самым разным по смыслу. Может, как у Татлина, взывать к органическому восприятию целого, одновременно к зрению и к осязанию. Или в игровой фор­ме разрушать границу между искусством и жизнью. Случается использо­вание материала и вовсе в несвойственной ему роли. Например, немецкий художник Гюнтер Юккер делает картины из гвоздей. Когда это просто абстракции, то расположение гвоздей имитирует все признаки картины: ритм, светотень и прочее. А когда тот же Юккер берется забивать гвозди не в плос­кость, а в го­товый предмет, например в стул или телевизор, то мы получаем абсурдист­ский объект в дадаистском и сюрреалистическом духе. Собственно, именно дадаисты и сюрреалисты этот новый вид объекта и узаконили. И это уже имен­но самостоятельный объект: он теряет связь с картинной плоскостью, он су­ществует как отдельный предмет, для которого нет привычного жанрового определения. 

1 / 2

Гюнтер Юккер. Пианино. 1964 год© John Kannenberg / CC BY-NC-ND 2.0

2 / 2

Гюнтер Юккер. Диагональная структура. 1975 год© flickr.com / centralasian / CC BY 2.0

Один из самых известных сюрреалистических объектов — «Меховой чайный сервиз» художницы Мерет Оппенгейм, созданный в 1936 году: чашка, блюдце и ложка, обтянутые коричневым мехом. Другая ее столь же абсурдистская ра­бота 1963 года называется «Ящик с маленькими животными». Это ящик с двер­цей, на внутренние стенки которого наклеены макароны в форме бабочек: по-итальянски они называются фарфалле, что и значит «бабочка»; эти мака­роны и есть те самые маленькие животные.

Мерет Оппенгейм. Меховой чайный сервиз. 1936 год © Antonio Campoy / CC BY 2.0

Сюрреалистические объекты даже в описаниях выглядят увлекательно. Напри­мер, «Телефон-омар» (он же «Телефон-афродизиак») Сальвадора Дали: теле­фон куплен в магазине, но вместо трубки на нем покоится скульптура омара. Сам Дали объяснял это произведение так: «Не понимаю, почему, когда я зака­зываю в ресторане жареного омара, мне никогда не подают отварной телефон; а еще не понимаю, почему шампанское всегда пьют охлажденным, а вот теле­фонные трубки, которые обычно бывают такими отвратительно теплыми и неприятно липкими в прикосновении, никогда не подают в тех же серебря­ных ведерках с колотым льдом».

Сальвадор Дали. Телефон-омар. 1938 год © Flickr / pellgen / CC BY-NC-ND 2.0; Minneapolis Institute of Arts 

Франко-американский художник Ман Рэй сделал объект «Подарок» — это утюг с четырнадцатью шипами на подошве. И он же сделал объект под названием «Загадка Исидора Дюкасса», который выглядит как бесформенный узел из одеяла, перевязанного веревкой. Загадку можно разгадать, если знать, что Исидор Дюкасс, он же Лотреамон, — это писатель XIX века, кумир сюрреа­ли­стов и дадаистов, который произнес ключевую для них фразу: «Красота — это случайная встреча швейной машинки и зонтика на анатомическом столе». Поэтому внутри одеяла спрятана именно швейная машинка. 

Ман Рэй. Подарок. 1963 год © Tom Ipri / CC BY-SA 2.0

Прекрасная история произошла с произведением Мана Рэя под названием «Объект для уничтожения», созданным в 1923 году. Это был готовый метро­ном, к маятнику которого была прикреплена маленькая фотография челове­ческого глаза — глаза Ли Миллер, фотографа, фотомодели и возлюб­ленной Мана Рэя в те годы. Метроном сопровождала инструкция: «Вырежьте глаз из фотографии того, кто был любим, но кого вы больше не видите. Прикрепите глаз к маятнику метронома и отрегулируйте его так, чтобы достичь нужного вам темпа. Дождитесь остановки маятника. Взяв в руки молоток, хорошенько прицельтесь и попробуйте разрушить всю конструкцию одним ударом». В 1957 году в Париже взбунтовавшиеся студенты ворвались на выставку, где находился «Объект для уничтожения», похитили его и, собственно, уничто­жили — но не молотком, а посредством выстрела. Поскольку Ман Рэй был еще жив, он с радостью сделал несколько авторских повторений работы, но изме­нил ее название. Теперь это называлось «Неуничтожимый объект».

Ман Рэй. Неуничтожимый объект. Между 1957 и 1976 годом © Hans Olofsson / CC BY-NC-ND 2.0

Можно сказать, что именно абсурдистская линия стала главной, домини­рующей в развитии художественных объектов. В частности, эту же поэтику продолжает объект в поп-арте. Что естественно: главная мишень поп-арта — это общество потребления, и неудивительно, что основные потребительские товары он пародийно или критически воспроизводит. Например, американ­ский поп-артист Клас Ольденбург возводил огромных размеров памятники простым вещам: прищепке, воланчику, вилке, ложке, рожку мороженого — их можно назвать антимонументами. Ложка у него превращается в мост — в реальный мост, оставаясь ложкой.

Клас Ольденбург. Ложка-мост и вишенка. Миннеаполис, США, 1985–1988 годы © Grace Rodriguez / CC BY-NC-ND 2.0

Объекты, похожие на западный поп-арт, создавали и в России. Например, у соц-артиста Александра Косолапова есть серия вещей, которая по замыслу полностью повторяет работы Класа Ольденбурга, только без гигантизма. Косолапов сделал деревянные портреты классических советских предме­тов, щеколды и мясорубки, которые во много раз больше их металлических прототипов. Другой пример — его же работа «Купальщица»: это большой спичечный коробок, сделанный из дерева, а из приоткрытой части на нас смотрит купальщица — это скульптура, спрятанная внутри.

1 / 2

Работы Александра Косолапова «Семья» (в центре) и «Купальщица» (справа) на выставке «Современное искусство: 1960–2000. Перезагрузка». 2016 годФотография Сергея Пятакова / РИА «Новости»

2 / 2

Работы Александра Косолапова и Владимира Козина на выставке «Постпоп: Восток встречается с Западом» в Лондоне. 2014 год PA Photos / ТАСС

Еще из русских абсурдистских произведений стоит упомянуть ассамбляжи Бориса Турецкого — одного из самых интересных художников андеграунда. Например, «Обнаженную» 1974 года. На листе оргалита наклеены предметы женского туалета — снизу вверх. Сначала туфли, потом спущенные чулки, перчатки, потом пояс для чулок, трусы, лифчик. Самой женщины нет, зато есть символизирующие ее предметы.

Работа Бориса Турецкого «Обнаженная» на выставке в Москов­ском музее современного искусства. 2000-е годы © Фотография Виктора Великжанина / ТАСС

Мы уже поговорили об объектах, которые отталкиваются от живописи и от скульптуры. Осталось сказать о тех, которые отталкиваются от кон­струк­ции — от конструкции движущейся, кинетической. Такие объекты начинаются с мобилей Александра Колдера. Они представляют собой соединения разно­цветных плоскостей, как правило напоминающих что-то природное, на прово­лочной оси, которые подвешиваются к потолку или крепятся на стене и приво­дятся в движение потоком воздуха — за счет собственного баланса. Колдер — художник, тоже близкий кругу сюрреалистов и дадаистов. Теория относитель­ности, принцип неопределенности и прочие научные открытия XX века созда­ли атмосферу тотального сомнения в самих основах физического мира. Эта атмосфера питала искусство сюрреализма и дадаизма — и все оно про возму­щенное мироздание, которое никак теперь не гармонизировать. Однако у этого есть и положительные стороны: раз все неопределенно, какая свобода откры­вается! Поэтому конструкция Колдера движется непредсказуемо, она реагирует на любое колебание воздуха. Совсем игровая кинетика, веселая, разноцветные конфигурации болтаются в воздухе — и вместе с тем очень серьезное искус­ство. 

Мобиль Александра КолдераWikimedia Commons

С похожим спектром идей связаны и механические конструкции кинетиста следующего поколения Жана Тэнгли. Он как раз пришел к своим машинам и к манифесту тотального движения от ассамбляжей под названиями «Мета-Малевич» и «Мета-Кандинский» (хотя они скорее отталкивались от Татлина). Приставка «мета» — авторский знак Тэнгли, он именует свои вещи «метама­тиками», «метагармониями» и так далее. Это, как правило, довольно большие объекты, где смешано все со всем: колеса, железный хлам, бытовые предметы и их обломки, электрические лампочки и ударные инструменты. Так что кон­струкции светятся, издают звуки, а некоторые — метаматики — еще и рисуют; эти спонтанные рисунки в машинах 1950-х годов были насмешкой над автори­тетной в ту пору абстракцией. 

1 / 2

Работа Жана Тэнгли в Музее Тэнгли в Базеле, Швейцария© Rosa Menkman / CC BY 2.0; Museum Tinguely

2 / 2

Работы Жана Тэнгли в Музее Тэнгли в Базеле, Швейцария© Rosa Menkman / CC BY 2.0; Museum Tinguely

Примерно с конца 50-х его конструкции становятся еще и самоуничто­жаемы­ми — процесс умирания, развала машин входит в изначально задуманный сце­нарий. Каждая машина говорит нам и о механистичности, и о смерти механиз­ма — этот поворот тоже иронический. Но и без этой иронии объекты Тэнгли прекрасно работают как игрушка, как аттракцион. Правда, в Москве на выстав­ке Тэнгли произошел казус: выставка проходила в пе­рестройку, когда мы еще не привыкли к новым искусствам, и нажимать на кнопочки и включать ма­шины было строжайше запрещено. Движущиеся объекты были представлены как статика — зато зал с ними выглядел как настоящая тотальная инсталляция.

В манифесте Тэнгли «За статику» речь шла на самом деле о тотальном движе­нии. Российские кинетисты в 1962 году так и назвали свою группу — «Движе­ние». Создал ее Лев Нусберг, туда входили многие художники, в числе прочих Франциско Инфанте и Вячеслав Колейчук, а также физики и биологи. Вообще, это была вспышка радикального конструктивизма, только на новом этапе. Шестидесятые были периодом веры в технический прогресс, торжества физи­ков над лириками, и группа «Движение» испытала упоение новыми машин­ными возможностями. Ее деятельность мыслилась как стык научного знания и художественного воплощения. Их объекты не сохранились, но остались фотографии и описания. Кинетические конструкции включали в себя работу со светом и звуком; по размаху это было похоже скорее на инсталляции, неже­ли собственно на объекты. Художники группы «Движение» хотели переофор­мить видимый мир, создавать дизайн города и массовых праздников, и не их вина, что этого не случилось. 

И здесь самое время перейти к инсталляции. Что такое инсталляция? Это неко­торая среда, выстроенная по определенному сценарию, в соответствии с замы­слом художника. Причем степень участия художника в ее кон­струировании может быть самой разной, вплоть до использования уже готового простран­ства, на которое предлагается взглянуть с неожиданной точки зрения. Но в лю­бом случае инсталляция — это снова такая игра на границе искусства с жизнью. Вроде бы граница уже почти неразличима. Или требуется определенным обра­зом сместить фокус зрения, чтобы ее различить. 

Искусство инсталляции, как и многое другое, начинается с дадаистских затей. Например, с двух произведений немецкого художника Курта Швиттерса. Во-первых, это колонна, которую он воздвиг в собственном доме из разного хла­ма, — по сути, это был прототип джанк-арта, то есть искусства из отбросов, из мусора. Дом у Швиттерса был многоэтажный, колонна росла, и когда доро­сла до потолка комнаты, то потолок был пробит, и она продолжала вольно расти дальше на следующем этаже.

Продолжение истории с колонной — это «Мерцбау»: почти весь дом художника в Ганновере был превращен в тотальную инсталляцию. Предметы заполняли трехэтажное строение, и заполнили до того, что существовать в этом доме ока­залось невозможно. В этом была идея соединения искусства с жизнью, синте­тического целого. «Бау» значит «конструкция, строение»; «мерц» — обрывок слова «Коммерцбанк», слово случайное — и инсталляция растет как бы случай­но, следуя движению самой жизни. Слог «мерц» стал собственным мемом Швиттерса, он определял его как «создание связей между всеми существующи­ми на свете вещами». 

1 / 2

Курт Швиттерс. Мерцбау. Ганновер, Германия, 1933 годFlickr / centralasian / CC BY 2.0

2 / 2

Курт Швиттерс. «Мерцбау» после реконструкции. Ганновер, Германия, 2004 годFlickr / centralasian / CC BY 2.0

В последнее время слово «инсталляция» часто используется с дополнительным определением — «тотальная». Здесь имеется в виду в первую очередь масштаб: произведение не выгорожено в пространстве, а заполняет собой все простран­ство целиком — всю комнату, весь дом или всю галерею. И еще один аспект слова «тотальная» — использование в инсталляции разного рода мультимедий­но­сти: компьютеров, видео и вообще технологии. Современные инсталляции такого рода превращаются порой в совсем грандиозные действа. 

Но термин «тотальная инсталляция» был придуман художником Ильей Каба­ковым совсем по другому поводу, и смысл у него был иной. Так Кабаков назвал серию инсталляций Ирины Наховой «Комнаты», создававшуюся в течение пяти лет, с 1983 по 1987 год. Раз в год Ирина Нахова полностью перестраивала одну из комнат в своей квар­тире: выносила мебель или оставляла ее, но обклеивала белой бумагой, пере­крашивала стены или заполняла все плоскости картинками из модных журна­лов — словом, создавала новые пространства из одной про­странственной коробки. Словосочетание «тотальная инсталляция» здесь ука­зывало не только на длительность процесса, но и на его повторяемость. И еще это было указание на экзистенциальную значимость работы, ведь в этих ин­сталляциях прожива­лась целая жизнь. 

В своих более поздних работах Ирина Нахова уже использует современные технологии: видео, звук, интерактивность. Например, инсталляция «Большой красный» представляла действительно очень большое и очень красное надув­ное существо. Если к нему приближался зритель, оно вырастало в размерах и тянулось навстречу, если зритель отходил — «Большой красный» разоча­рованно сдувался. Такая очень внятная и очень смешная история про коммуни­кацию вообще и про взаимоотношения зрителя с искусством в частности.

Ирина Нахова. Большой красный. 1998–1999 годы © Государственный центр современного искусства

И наконец, нельзя не поговорить об инсталляциях Ильи Кабакова. Которые тоже тотальны именно в смысле их экзистенциальной наполненности: в них разрабатывается и длится одна, самая болевая для художника тема. Отно­си­тельно ранняя инсталляция — «Человек, улетевший в космос из своей комна­ты»: очень захламленная комната с приметами бедной советской коммуналь­ной жизни, в центре ее стоит катапульта, а в потолке дыра — человек улетел. Или наоборот, поздняя — «Туалет» — точка схода всех коммунальных рефлек­сий Кабакова. Это типовой павильон привокзального туалета с буквами М и Ж и всем, что полагается. Однако внутри помещения, помимо собственно атрибутов сортира, нормальная, даже уютная обста­новка среднесоветской квартиры. Когда Кабаков показал эту инсталляцию, критик Андрей Ковалев написал, и не без основания, что теперь западная публика полагает, что рус­ские жили в туалетах. Можно и так посмотреть. 

1 / 3

Инсталляция Ильи Кабакова «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» (1982) на выставке в Москве. 2013 год© Фотография Сергея Фадеичева / ТАСС

2 / 3

Инсталляция художников Ильи и Эмилии Кабаковых «Туалет» (1992) на выставке в Москве. 2008 год© Фотография Станислава Красильникова / ТАСС

3 / 3

Инсталляция художников Ильи и Эмилии Кабаковых «Туалет» (1992) на выставке в Москве. 2008 год© Фотография Станислава Красильникова / ТАСС

Вообще, посмотреть можно по-разному, это искусство открыто для интер­пре­таций. А помимо такого, в XX веке появляется и искусство, открытое для пря­мого зрительского соучастия. Это разного рода интерактивные работы, где художник может выступать даже не в роли собственно художника, а в роли куратора, организатора. И об этом искусстве мы поговорим в следующей лекции.

Что еще почитать об актуальных формах искусства:

Колейчук В. Кинетизм. М., 1994.
Мизиано В. «Другой» и разные. М., 2004.
Перчихина М. Чтение Белой Стены. М., 2011.
Савчук В. Конверсия искусства. СПб., 2001.
Турчин В. По лабиринтам авангарда. М., 1993.
Мифология медиа. Опыт исторического описания творческой биографии. Алексей Исаев (1960–2006).М., 2013.  

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

arzamas.academy

Почему инсталляции – это тоже искусство?: shakko_kitsune — LiveJournal

Уважаемый читатель спрашивает:
Почему вот в этом вашем современном искусстве так любят инсталляции? Чего в них хорошего? Зачем это вообще?
Какой смысл в этих странных конструкциях, когда можно просто писать картины? Почему инсталляции так популярны и все с ними носятся? Разве это творчество вообще?

Отвечаю, почему инсталляции стали одним из важных жанров современного изобразительного искусства. И почему не стоит на них ругаться.

На фото: инсталляции, выполненные в направлении «биоизм», художник Aljoscha (Германия)

ПУНКТ 1: Потому что мы живем уже в XXI веке.

Искусство эволюционирует, движется вперед, придумывает что-то новое. И хотя вкус и понятие о прекрасном большинства людей остановился на «норме» (классике), это не означает, что все, что придумано «после Айвазовского и Шишкина» не имеет право на существование. Просто для осознания того, что после, нужен немного другой, более прокаченный (специально прокаченный!) уровень восприятия.

В XXI веке авторы экспериментируют с новыми формами. Это их право, им интересно упражняться в чем-то новом, что никто еще не делал. Просто поймите, что человеку XXI века малоувлекательно работать методами Шишкина и Айвазовского, ему интересно творить другими способами.

О том, насколько «новое время» требует нового искусства, см. например эту статью про кинетическое искусство, из которой мы узнаем, что даже Советский Союз, у которого аллергия на «совриск» была мгновенной, явно посильнее и агрессивней, чем у сегодняшнего среднего российского зрителя, вполне себе уважал инсталляции. Потому что официальные лица, заказчики в СССР, тогда осознавали, что такая тема, как освоение космоса, не может быть «воспета» средствами студии живописцев им. Митрофана Грекова.

ПУНКТ 2: Потому что «реалистичное» натуроподобное искусство практически померло.

Оно стало сильно нишевым. Начиная с 1900-х годов, оно начало тихонько чахнуть, худеть и туберкулезно кашлять (постимпрессионизм, экспрессионизм, кубизм). Потом реалистичное искусство и вовсе скукожилось как кыштымский карлик – см. абстракционизм, а далее и всякие перформансы, и да, обсуждаемые вот сейчас инсталляции.

Реализм стал скромнее и частично ушел в другие жанры, выполняемые с помощью технических приспособлений (фотоаппарат, киноэкран, компьютерный диджитал-арт). А то искусство, которое надо делать руками и головой (UPD: я про мелкую моторику), с радостью плюнуло на этот самый реализм.

В каком-то смысле это стало освобождением.

Потому что много веков эта функция максимально точного воспроизведения реальности была тем, что повергало художников в ремесленное рабство, заставляя их заниматься созданием обслуживающих продуктов, а не собственно творчеством (см. Боттичелли, например). Стало можно не работать «на дядю», на заказчика, выполняя все условия ТэЗэ, куда обязательно входило сходство, реализм – а делать то, что хочется самому, выражая свои интересы.
Сравните творчество профессионального свадебного фотографа, который мечется от ЗАГСа до ресторана, повторяя одни и те же позы и композиции, потом ночами обрабатывая гигабайты съемок и проч. с фотохудожником, который воплощает свои идеи. Да, первый наверняка кушает немного лучше. Но кто из них чувствует себя истинным «Творцом»?

ПУНКТ 3: Потому что искусство – для эмоций, а не для реализму.

Упрекающие и иконопись, и современное искусство в том, что оно «непонятное» и не похожее на реальность, на настоящую жизнь, в этой онлайн-игре «Пойми, как устроено искусство» все никак не покинут первый, дефолтный уровень, не прокачают скилл, для того, чтобы перейти на следующий левел. А читерский код для взлома, для перехода на следующий уровень этой игры таков, записывайте:

искусство – не для того чтобы отражать реальность. А для того, чтобы создавать
эмоции
и ощущения «не от мира сего»

Оно для того, чтобы вызывать у зрителей новое вИдение и позволять автору создать свою религию или выразить своих демонов.

Требования к искусству на протяжении веков же меняются! В Средневековье ведь никто не предъявлял к нему требования «будь красивым, как в античности» или «будь реалистичным!», главным был посыл «а ну давай верно выражай Бога». В классический реалистический период Шишкина и Айвазовского (наследником которого стал социалистический реализм) лозунгом являлось как раз «будь реалистичным!». Но все равно, если искусство выполняло эти задания, но при этом не вызывало эмоции, оно в шедевры не попадало. Сейчас главный тезис изменился, так просто его не сформулируешь (отдельный пост надо делать). Но вот эта потребность вызывать эмоции никуда не делась, стала еще важней.

Требования быть красивым или максимально реалистичным приходит и уходит в зависимости от эпохи, но одно остается главным всегда:

ИСКУССТВО ДОЛЖНО ПОТРЯСАТЬ

Если оно вызывает гармонию и счастье — как в случае морских пейзажей Айвазовского, это тоже ведь «потрясение».
Просто, поскольку, эмоции позитивные, но уже знакомые, их меньше регистрируешь сознательно.
А в эмоциях от непривычного больше отдаешь себе отчет.

ПУНКТ 4: Потому что искусство пробует разные методы для того, чтобы потрясать заново.

Ясен пень, все на свете приедается, что все способы потрясения со временем блекнут.
Шок, который испытывали современники при взгляде на «Автопортрет» Дюрера, нам никогда не понять.
Новаторство Микеланджело никогда нас не поразит так же, как оно поражало тех, кто повзрослел в домикеланджеловскую эпоху. Чем «Ужин» Бакста эпатировал критика с замшелой бородой и чем понравился развязным интеллектуалам Серебряного века? Для нас это в первую очередь памятники культуры, подернутые дымкой, а не компонент нашей реальной повседневной жизни.

Искусство постоянно ищет способы обновления чувственного восприятия, новых способов взять зрителя за плечо, потрясти его, окатить ледяной водой, выдернуть из зоны комфорта.

До XIX века включительно для этого было достаточно классических методов. По мере усложнения нашей жизни и интеллектуальной работы, нарастания научно-технического прогресса, ускорения темпов ноосферы, этого становится недостаточно. Это одна из причин, почему в ХХ веке «-измы» сменяют друг друга так часто, не успеваешь их запоминать: потому что жизнь меняется очень быстро.

Ну так вот, вернемся к инсталляциям. Двухмерного пространства картины, стены, плоскости – становится недостаточно. Эффект от двухмерности все слабеет и слабеет. Плоскостные вещи больше не потрясают, потому что воздействуют только на один орган чувств, на глаза.

Эту же проблему, кстати, осознает и самый главный вид искусства ХХ-XXI века – кинематограф. Именно поэтому кинобизнес вкладывает огромные деньги, чтобы загрузить все органы чувств, какие можно: оглушает долби сурраундом, причем раскладывая разные звуки на разные колонки (ощущение движения). Изобретает 3D, чтобы погружение было полным.
Двухмерность стала пыльным холстом в каморке Папы Карло, изодранным и истыканным носами.
Художнику нужен выход в реальное пространство, чтобы зритель ощущал сверхреальность представленной вещи, попадал внутрь нее, мог ее потрогать.

Размер имеет значение! Объекты воспринимаются всем телом. Поэтому «тотальность», знание того, что работа не только перед тобой, но и над, за, и вообще вокруг (а иногда и в тебе) так сильно воздействует в случае инсталляций. То, что от инсталляции иногда можно оторвать кусок и унести домой — тоже специально задумывается художником, как загрузка еще одного канала нашего восприятия.

Вот поэтому современные художники любят инсталлировать. (Но нюанс: художник зачастую должен предпринимать множество усилий для такой работы — физических, интеллектуальных, организаторских и финансовых. Поэтому успешно функционирующих мастеров, которые часто делают крупные работы, на самом деле, не так уж много. Можно надорваться, как первые инсталляторы на острове Пасхи).

ПУНКТ 5: Потому что инсталляция – это не враг тебе, горожанин.

Как я уже говорила, информационное пространство устроено так, что все время на поверхность выплывает – и поэтому остается в памяти – всякий мусор и всякая гадость. Но помните, что, как и любой другой жанр искусства, инсталляции могут выражать не только плохое, эпатирующее, но и нормальные позитивные эмоции, в зависимости от того, что в голове у автора.

Просто фиг ты с легкостью этих нормальных авторов найдешь в этом бурлении информации в окружающем мире.

Но если интересно, то можно искать.
Можно удивляться, пытаться понять и радоваться тому, как меняется восприятие окружающего мира, природы или помещения, от того, что кто-то принес в нее новое и удивительное произведение искусства. Дегустировать по-новому.

Инсталляции – другие миры, они заостряют восприятие и заставляют взглянуть на наш мир иначе, ощутить этот мир реальным и себя реальным по-новому, совершенно другим способом, сместить фокус.

shakko-kitsune.livejournal.com

Современное искусство — инсталляции

Автор:
08 апреля 2016 07:44

Проверьте, может быть вы тоже художник?

№1 Инсталляция «Head On» состоящая из 99 волков и одной стеклянной стены, автор Цай Гуо-Квианг

Источник:

№2 Инсталляция из сотен больших и маленьких мотыльков из черной бумаги «Black Cloud», автор Карлос Аморалес

Источник:

№3 Инсталляция с деревьями, ботинками, черепами и зеркалами, автор Ребекка Хорн

Источник:

№4 В «Зеленом павильоне» Ирины Наховой

Источник:

№5 Ай Вэйвэй, фрагмент инсталляции «Bang»

Источник:

№6 Ли Саквитц и ее компания Flora & Faunavisions представили световую инсталляцию «Insideout»

Источник:

№7 Световая инсталяци от Даниеля Бюрена

Источник:

№8 Японская художница Яёи Кусама и ее пятнистые инсталяции

Источник:

№9 Клаудио Парамиджани — итальянский художник и его видение искусства

Источник:

№10 Майкл Мерфи — американский современный художник, создает сложные конструкции из обычных предметов

Источник:

№11 Южнокорейский скульптор Ду Ху Са работает с крупногабаритными скульптурами

Источник:

№12 «Книги» — проект создан в рамках года литературы в России культурным центром «Порт» при поддержке Централизованной библиотечной системы Сургута

Источник:

№13 В руинах мечети Кутубия специалисты из немецкой архитектурной компании Barkow Leibinger Architects выстроили «Гиперболичный ткацкий станок»

Источник:

№14 Николай Полисский и Никола-Ленивецкие Промыслы. «Большой адронный коллайдер»

Источник:

№15 Инсталляции с изображением гигантских муравьёв из стекловолокна колумбийца Рафаэля Гомезбарроса

Источник:

№16 Дизайнерская инсталляция, задуманная и выполненная Кайсой Берри и Тимо Берри

Источник:

№17 Инсталляция «Touch Me» от Йоко Оно

Источник:

№18 Энтони Гормли «Поле притяжения»

Источник:

№19 Инсталляция Джонатана Латиано из дерева, пластика, акрила и стекла — «Предметы спора»

Источник:

№20 Арт-инсталляция «Алиса» испанского художника Кристина Лукаса в Андалузии

fishki.net

10 современных уличных инсталляций, которые заставляют задуматься о том, что по-настоящему важно

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Современное искусство восхищает, удивляет, шокирует, раздражает, но мало кого оставляет равнодушным. Чего только ни придет в голову художникам, дизайнерам и архитекторам: установить памятник грусти, возвести ковчег в полную величину, убить телефонную будку.

AdMe.ru с любопытством погрузился в мир инсталляций. Оказалось, что большинство из них таит глубокий смысл.

1. Парфенон книг, Германия

«Парфенон книг», состоящий из 100 тыс. запрещенных в разное время изданий, был представлен в немецком городе Касселе в рамках выставки Documenta 14. Автором идеи выступила аргентинская художница Марта Минухин (Marta Minujín).

Среди книг, отмеченных на инсталляции, — «Доктор Живаго» Пастернака, «Маленький принц» Сент-Экзюпери, «Превращение» Кафки, «Алиса в Стране чудес» Кэрролла, которую в свое время запретили в Китае, и многие другие.

Место для «Парфенона книг» выбрано неслучайно: именно здесь в 1933 году нацисты сожгли 2 тыс. книг за «антигерманский дух».

2. Шесть забытых великанов, Дания

Художник из Копенгагена Томас Дамбо (Thomas Dambo) представил свою инсталляцию в виде игры для детей и взрослых на открытом воздухе. Цель квеста — отыскать сокровища, спрятанные в фантастических лесных существах. Найти их можно по карте и табличкам с подсказками.

В такой легкой и непринужденной форме деятель искусства обратил внимание на проблему переработки материалов и заботы об экологии.

Экспонаты выполнены из старых деревянных поддонов, разобранных мельниц, сараев, заборов — всего того, что должно было оказаться на свалке. Это не первая подобная работа художника: ранее он уже создавал инсталляции из переработанных материалов.

3. Потери, США

Грустная, но полная смысла инсталляция художницы Тарин Саймон (Taryn Simon) показывает зрителю анатомию горя и наши реакции на непредвиденные обстоятельства.

Проект состоит из 12 высоких (более 14 м) колонн и загадочной лестницы в виде луча света. Инсталляция оживает по вечерам: тогда внутри башен профессиональные плакальщицы демонстрируют ритуалы скорби разных народов.

Таким оригинальным способом художница напоминает нам о том, что потери неизбежны: это неотъемлемый пласт жизни и целая культура, которая достойна упоминания и внимания.

4. Встреча с ковчегом, США

Гигантский ковчег был возведен в городе Кентукки (США) в память о том, что этот регион пострадал от мощного наводнения. Дорогостоящий проект был частично профинансирован деньгами налогоплательщиков, что вызвало неоднозначную реакцию американцев.

Первые 40 дней и 40 ночей — именно столько, согласно библейской легенде, длился Всемирный потоп — экспозиция работала круглосуточно. Размеры ковчега точно соответствуют описанным в Библии: 30 м в ширину, 15 в высоту и 152 в длину.

Сегодня в ковчеге расположились образовательный центр и многочисленные игровые площадки.

www.adme.ru